El mercado del Libro de Artista. Estrategias y propuestas.

Información

Feria Cinco Sedes

El mercado del arte en España, no vive sus mejores momentos, arrastrado por la crisis y contaminado por la idea de especulación que ha manchado a la mayoría de las actividades económicas en este país.

Si a esto le añadimos, que la mayoría de la producción de libros de artista, nunca han estado en ese mercado, hace que nos encontremos en una situación curiosa. Por un lado no tiene acceso a una de las vías posibles de comercialización y por otro mantiene una “buena imagen” que lo convierte en un producto apetecible.

¿Pero de qué producto hablamos?. Estamos mezclando dos conceptos que en principio no tienen una gran relación.

Uno, el “libro de artista” que no es más que una descripción de un concepto de creación. Estas obras pueden ir desde objetos únicos de firmas consagradas con un enorme precio a obras hechas de forma colaborativa entre un grupo de autores y autoras, en la que ni siquiera se plantea su venta.

Dos, la edición de arte, es un procedimiento de trabajo que sirve tanto para los libros ilustrados, estampas, objetos en volumen, etc.

De la unión de los dos conceptos, si tenemos algo más concreto. Una forma de producir y un soporte conceptualmente definido.

Pero no todo es tan fácil, en momentos de cambio. Entenderíamos que estas piezas se incorporarían en el mercado de la obra seriada, siguiendo sus pautas. Pero este mercado de “obra seriada” ha sido de los más maltratados tanto en las épocas de bonanza y se ha intentado recurrir a él en la de crisis. Para colmo, aparece la impresión digital, como una nueva familia dentro de las técnicas de la gráfica. Con lo cual el comprador o coleccionista -y hago esta distinción a propósito- se desconcierta, al no saber si compra un producto artesanal o industrial.

¿Cómo podemos dar una solución a esta situación? La solución se está produciendo sola; proliferan las ferias, de mayor o menos tamaño, así como las páginas WEB de editoriales y artistas que ofertan su producción. Por ello, lo que solo nos queda es coordinar los dos recursos.

Ése es el motivo de la creación de una feria que combina los espacios presenciales y los virtuales. Y además lo hace en un espacio Iberoamericano.

De aquí, el gran interés de coordinar estos dos recursos.

http://www.redlibrodeartista.org

Foro de discusión

Experiencia desde nuestra editorial

Iniciada por María Luisa Nasif. Última respuesta de Maria Sol Tazzioli 24 Nov 2011. 11 Respuestas

LA GESTIÓN CULTURAL

Iniciada por SILVIA BORGHI. Última respuesta de Blanca Oraa Moyua 12 Jul 2011. 1 Responder

DIALOGUES ENTRE LES ARTS ET L’ECRITURE

Iniciada por valérie payet. Última respuesta de Elena Pomar Jiménez 10 Jul 2009. 7 Respuestas

Feria Cinco Sedes

Cargando… Cargando fuente

Comentarios

Comentar

¡Necesitas ser un miembro de El mercado del Libro de Artista. Estrategias y propuestas. para añadir comentarios!

Comentario por Susana Munay el agosto 16, 2010 a las 3:48pm
He leido el mensaje sobre la propuesta de la pusta en marcha de Lunardog , me parece que es absulutamente necesario que podamos poseer un sitio en internet que exponga los libros de artista en forma virtual y que ademas este en manos tambien de un artista, eso me da a mi por lo menos la tranquilidad de saber que todo sera cuidado de una manera diferente.
Por otro lado me parece que no debe ser el unico canal de llegada al publico interesado, las galerias o la librerias o las ferias son medios tambien validos para tener en cuenta.
El unico inconveniente que veo es el costo de la logistica.
Tal vez deberia haber algun contacto que se ocupe de eso en cada pais del que haya expositores .
Me parece que seria un tema para seguir pensando.
Comentario por María del Carmen Pumar el agosto 16, 2010 a las 8:32am
Por supuesto, la idea es abrir el debate.Saludos
Comentario por Antonio Damián el agosto 16, 2010 a las 8:29am
De eso se trata. Pero en esta red también hay galerías y me gustaría saber que opinan.
saludos
Comentario por María del Carmen Pumar el agosto 16, 2010 a las 8:14am
Respecto de la propuesta enviada para la comercialización de libros de artista, me parece razonable iniciar con lunardog. No me queda muy en claro como operaría la logística, supongo que a través del foro iremos dilucidando el tema.Trataría de mantener la red independiente de las galerías de arte, y que sean los propios artistas quienes promuevan sus obras a través de espacios virtuales que se vayan desarrollando similares a lunardog en los diferentes continentes, de modo tal de abaratar costos de envío, etc.
Gracias.Saludos
Comentario por librodeartista el febrero 24, 2010 a las 11:50am
Hola, queremos compartir este texto de Felipe Ehrenberg para establecer una lectura compartida.

CONGRESO INTERNACIONAL DE GRABADO NO TÓXICO 09
Ponencia de Felipe Ehrenberg:
Jueves 12 de marzo 2009
De la materia a lo inmaterial, de la ortodoxia a la heterodoxia
CONTRA IDEAS TÓXICAS Y EN POS DE OTROS PÚBLICOS.

In memoriam: Bartolomeu Cid dos Santos
(24 de agosto, 1931 – 21 de mayo, 2008)



Antes de entrar en materia, expreso mi profunda gratitud por la invitación que me extendieran Xavier Moyssen y Sergio de Ocio en nombre de los organizadores de este encuentro. Volver a visitar Monterrey es una placer y una honra que agradezco de corazón. QNo compa, nomestoy confundiendo...uiero pensar que lo que me autoriza estar aquí no es mi experiencia en el grabado –de sobra la tengo -- o una producción prolífica en la estampa, que aunque no se acerca a la de artistas especializados es tan amplia como sostenida, sino al hecho de que he propuesto técnicas y actitudes que ampliaron el territorio conceptual de la estampa.

“La gráfica tradicional es un anacronismo en esta sociedad contemporánea” propone Manuel Zavala en una ponencia ligeramente contradictoria. “La tecnología con uno de sus tentáculos –la gráfica digital– hace parecer a los artistas e impresores dedicados al grabado y litografía como auténticos hombres de Altamira.” Mas adelante, sin embargo, enfatiza que “ ...lo digital jamás podrá sustituir la experiencia de enfrentarse a los materiales de la gráfica tradicional. El hecho de trazar sobre una piedra, madera, o una placa metálica, es una acto irrepetible y que jamás será abolido... Cuando se punza brillantemente una placa, queda para la historia del artista, del hombre; cuando se equivoca o acierta un nivel de acidez en la preparación de una piedra de litografía, queda para siempre en la historia del impresor. Las copias serán fatales o geniales...”

Las técnica tradicionales del estampado siempre me fascinaron, por eso las ejerzo con relativa maestría. Y claro, cualquier sugerencia que busque proteger ojos, piel o pulmones, que proponga reciclar materiales y soportes, que estimule la invención de nuevas tintas y herramientas será más que bienvenida. Ojala oigamos algo en esta ocasión sobre la toxicidad de los materiales y los soportes que requiere la estampa digital, incluyendo los gastos de energía eléctrica y el enorme peligro para la naturaleza que encierran los componente internos de las computadoras y las impresoras. Si participo aquí, sin embargo, es por que no vi nada programado para discutir la toxicidad de los conceptos.

Antes de continuar quiero reiterar que no hay --y no puede haber-- un confrontamiento entre técnicas tradicionales y digitales. El arte es un sistema de conocimientos acumulados que se van sumando: a más opciones, mayores posibilidades para expresarse. Así de sencillo, y la obra que expongo durante este encuentro refleja mi actitud. Tiene que ver con la ecología, por supuesto, pero a través de ella también formulo una advertencia: cuidémosnos de ideas tóxicas.

Todos saben que defiendo a capa y espada el derecho que tenemos los artistas a vender nuestras obras y vivir de lo que hacemos sin ser obligados a emplearnos por un sueldo. De ésto a que únicamente se valide lo que manejan los mercaderes hay una gran distancia. Lo que ellos buscan en buena medida, es mercancía artística que siga las pautas de una suerte de artepurismo internacionalista, que incluye, por supuesto, producciones que entretienen (conversation pieces) o que espantan (shock value). Para épater la bourgoisie, los cocos predilectos son personajes como Richard Serra o Demian Hirst, son los night-shyamalanes de las ferias internacionales de arte y empresas jugueras, sus obras el equivalente Halloween, Viernes 13 y El exorcista...

Bien lo resume Zavala en la citada ponencia: “El mercado sigue privilegiando la obra tradicional por encima de la obra de los artistas que usan nuevas tecnologías. La razón es que el mercado está apuntalado en el principio de la autenticidad y control del número de obras, que permite subir el precio conforme el autor se cotiza día con día....”

Quizo la circunstancia que me formara “a la antigüita”, bajo la tutela directa de artistas en funciones y muy distintos entre sí (y todos grabadores consumados), Mathías Goeritz, Feliciano Bejar, el grabador colombiano Guillermo Santamaría, los hermanos Chávez Morado, Héctor Xavier, Alice Rahon, Arnold Belkin. ¡Qué elenco tan ecléctico! Gracias estos iconoclastas, tan diferentes entre sí, me salvé de ser deformado por la manera de pensar que regía en las academias de arte del momento, nacionalismo ramplón por un lado, internacionalismo malinchista por el otro, en ambos casos, pensamientos lastrados de deberes y obligaciones con respecto a lo que se puede o no hacer como artista, que a mi joven ver poco o nada tenían que ver con el arte. Cada uno de mis maestros a su manera me enseñó a cultivar mis habilidades técnicas y a la vez, mis técnicas para pensar. Aprendí que el arte dialoga con el arte mismo, ciertamente, pero antes de todo, que el arte debe dialogar con gente fuera del arte.

En 1967 presenté mi primera gran exposición en la Galería de la Ciudad de México, en las Pérgolas de la Alameda. La intitulé Kinekaligrafías. Presenté un par de instalaciones y nada menos que mi primera performa, poesías visuales todas. Aun no se acuñaban los términos para describir este tipo de trabajo y fue de hecho la primera vez en México que se veía. La expo fue concurridísima y emocionó mucho a los visitantes. Las fotos del gran Walter Reuter muestran cuánto... Ni una sóla línea crítica apareció publicada y el rechazo a mis propuestas, tanto de la crítica como el de las poquísimas galerías que había, fue prácticamente sistemático. No me quedaba otra y aprendí a operar sin ellos. Fue justamente ésto lo que reveló la magia del arte: no necesita la aprobación de “los de adentro” para llegarle a “los de afuera”.

Sucedió entonces, hacia finales del ’66, que leí Cimarrón: historia de un esclavo, de Miguel Barnet. No sin una buena dosis de humor, me fui identificando con esos esclavos fugitivos que se refugiaban en los montes pero que siempre se mantenían al tanto de lo que sucedía en las barracas del hacendado. Siendo alegre por naturaleza, pasé a gozar de la sabrosísima sensación de libertad que conservo hasta hoy. Libre de la esclavitud que somete a los artistas a “las reglas del juego” (en el fondo son comportamientos antiartísticos y elitistas) me alejé hasta del mote de artista. De entonces a la fecha celebro ser un neólogo, ¡a mucha honra!

Si algo me pone los pelos de punta es eschuchar un curador, en su uniforme de luto absoluto, pontificar por ejemplo, sobre la fotografía: “sólo la foto en blanco y negro puede ser arte”... o peor aun, y ésta sí es una cita textual: “sólo una foto en b/n que muestre la negativa entera comprueba el acierto de la visión artística del fotógrafo”... (refiriéndose al marquito negro que dejan ver los ortodoxos a la hora de imprimir sus imágenes). En cuanto a la estampa, los ortodoxos pregonan que “...los grabados no suelen llamarse copias. Todo grabado es una obra original múltiple. Esa es la obra de arte, y nunca la plancha que le dio lugar”.

Son este tipo de ideas que yo declaro ideas tóxicas. El sentido común -que es el sentido de “los de afuera”- me ha indicado siempre que el arte responde más bien a todo lo contrario de lo que dictan “los de dentro”. Hablando sin pelos en la lengua, los sistemas de distribución competitiva del arte son todos clubes similares a la Coca o a la Pepsi, al PRI o el PAN, a los leones o a los rotarios: al establecer cada club sus reglas busca legitimizar y prestigiar sus productos y servicios para hacerlos más redituables. Para esto se empieza dándole a los adversarios unos descontones ¡marca diablo!

Una de las principales funciones de todo neólogo que se precie de serlo es en primer lugar cuestionar el status quo – es decir, los clubes- y desafiar la ortodoxia dominante que controla la distribución de lo que juzga al PRI o el PANn aceptable; en segundo, buscar corregir sus deformaciones y deficiencias; y finalmente, formular lenguajes que brinden mayores posibilidades para dialogar con gente, con las personas que se sienten cada vez perplejas frente a lo que producimos los artistas contemporáneos. Contrariar a las nomenclaturas tiene su precio, es obvio. Los clubes del sector privado cierran sus monederos y las puertas a sus saraos y el sector público dirigido por miembros del sector privado que pertenecen a los mismos clubes, sigue sus pasos. Al buscar otros públicos allá afuera, los neólogos pueden cosechar insólitos y conmovedores acercamientos con el prójimo, fuera de los clubes. ¡Conozco muchos casos en los que hasta la tía y los primos alcanzan a entender y gozar con obras neológicas!

Tal vez lo mínimo que nos toca hacer a los neólogos es marcar la diferencia que hay entre el arte a secas y sin adjetivos, y el arte culto y para el mercado especulativo. Entre las creaciones capaces de llevarnos a la catársis, y los objetos que manejan los mercados del arte. Entre la filosofía, y las finanzas...

ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ ΩΔ
"Si se acepta que la definición de una escultura es
aquella forma que resulta de un esfuerzo físico
dirigido por un esfuerzo mental y creativo,
entonces una caminata es una escultura".
F.E. Inglaterra, 1970

No me cabe duda alguna que el territorio desde donde mejor se puede contribuir para lograr cambios paradigmáticos en la distribución del arte es el territorio en el que nos reunimos hoy, el de la gráfica y la estampa. Es aquí donde al menos yo he trabado la batalla entre la ortodoxia y la heterodoxia, entre la tradición y la innovación. Insisto, no hablo de materiales. Me refiero a la diferencia que separa los dos grandes impulsos que animan la creatividad, que son el impulso poyético y el impulso mimético. La creación mimética se deriva siempre de definiciones previamente formuladas. En cambio, la creación poyética marca el camino que después podrán los teóricos clasificar a su antojo.

Gráfica, grabado y estampa son tres palabra que asociamos a la multirreproducción de la imagen. Envueltos en nebulosidades lingüísticas, en México aplicamos estas clasificaciones indiscriminadamente sin ton ni son. Esto nos conduce a muchas confusiones. Acompaño esta charla con un texto respecto a nuestras confusiones que fue publicado hace 15 años. Con el vocablo gráfica nos referimos a muchas cosas, casi siempre pero no de manera exclusiva a una produccion artística que puede incluir el frotage, la monotipia, y dibujos únicos realizados con lápices y grafito y en ocasiones, hasta la fotografía. En sentido estricto, el grabado se realiza con herramientas de metal (gubias, buriles) y con ácidos que actúan sobre madera, linóleo, metal, acrílico, etc. Ahora, en la era digital, también es legítimos aplicar la palabra a la creciente produccion de obra digital (giclees et al) y proto-fotográfica ya que una vez que el programa nos permite elaborarla imágenes equivalentes a una matriz, las “grabamos” en el disco duro que luego nos servirá para producir nuestras estampas.

Nadie se atrevería a meterle fierro a una piedra litográfica o a la seda serigrífica, son vehículos que no admiten acciones punzocortantes. Ya el Museo Nacional de la Estampa en la Ciudad de México aplica
la palabra estampa con acierto. Vocablo tan preciso como generoso, acoge las técnicas tradicionales y muchas otras más: colografía, xerox, mimeografía, heliografía, impresiones a inyección de tinta y laser, imágenes digitales, etc.

Decía arriba que si algún mérito tengo es haber propuesto técnicas y actitudes que ampliaron el territorio conceptual de la estampa. Es mía, por ejemplo, la definición de “neográfica” que si bien era un concepto rudimentario cuando lo acuñé, le sirvió a Raquel Tibol como título de su libro Gráficas y neográficas en México.

Curiosidad, necesidad de expresarse, autoestima, todo estimula la creación poyética. Otro generoso manantial es la necesidad: turbulencias sociales, pobreza y por supuesto, la degradación del medio ambiente (“a río revuelto, ganancia de pescadores”).

Yo llegué a Londres a finales del ‘68 con una mano adelante y otra atrás. No era ni estudiante ni turista, sino un refugiado entre muchos más. Mi obligación era producir y vender mi obra para alimentar a la familia. La tienda de la esquina vendía un viejo mimeógrafo Gestetner. Lo compré con mis últimas ?50 y de inmediato me puse a trabajar, dibujando sobre esténciles de cera e imprimiendo ediciones limitadas. No tardé en dominar y depurar técnicas desconocidas hasta para las empresas fabricantes de mimeógrafos. Pasé a inventar libro-objetos mimeográficos y poco después, siguiendo la lógica de los cimarrones, Martha Hellion y yo abandonamos Londres y con el amigo Chris Welch nos fuimos a Devon, donde nos juntamos con el matemático y pensador David Mayor para fundar la Beau Geste Press/Libro Acción Libre, hoy reconocida como pionera en la edición de libros de artistas. Esto me permitió seguir creando cualquier cantidad de obras gráficas recurriendo a esténciles electrónicos, a fotocopiadoras y xerocopias y a esas técnicas heliográficas tan socorridas por los arquitectos de aquel entonces. Bueno, incluso sometí gráficas telegráficas para la Bienal del Grabado de Puerto Rico. Infructuosamente, por supuesto, pues se escapaban de los lineamientos ortodoxos que regían aquel tipo de certámen. De hecho, la primera vez que una bienal aceptó una de mis mimeografías fue la III Bienal de Bradford, en 1972. Y la única bienal que aceptó mis gráficas telegráficas fue la XVI Bienal De São Paulo, en 1981 (entonces participé en dos secciones: Arte Sistema, y el Libro Objeto).

Gente sensata y segura de sus opiniones, los integrantes de los comités de admisión de aquellas organizaciones demostraron estar ajenos a las prohibiciones emitidas por los clubes, que acumulan y lastran la producción artística. Estaban atentos a la actualidad y mi propuesta mimeográfica les interesó: requería de materiales, herramientas y soportes baratos y absolutamente fáciles de conseguir en cualquier lugar del mundo. Hoy prácticamente nadie usa más un mimeógrafo, a no ser algún chiflado con vocación de ‘retro’ (como yo, a veces). Feneció junto con el teléfono fijo de tonos, el FAX y los disquetes para computador. Pero el hecho de que fuera aceptada la mimeografía en bienales tan importantes abrió las compuertas para que también se exhibiera obra realizada con fotocopias y xerocopias (que no es lo mismo). Era inevitable que la estampa digital buscara también su lugar en el panorama de la estampa.

Volví a México en el ’74. Galerías e instituciones seguían sin interesarse en mi heterodoxa producción; de los coleccionistas ni se hable: hasta donde sé, no hay ni estampas ni obra mía en una sóla colección mexicana. Esto no es una queja, todo lo contrario: en mi tierra siempre he vendido bien; vendo directo y mis compradores son mis amigos... gente normal y sin pretensiones. Y muchos artistas emergentes que buscaban abrirse paso en la vida también se interesaron en mis hallazgos gráficos, siempre compartí mis experiencias con ellos con todo el gusto del mundo.

Hace muchos años trabajé en los talleres de la Slade School of Art, en Londres con el gran grabador y estampador portugués Bartolomeu dos Santos. Descanse en paz. Gracias a su bonhomía y sagacidad, descubrí dos cosas fundamentales, la delicia de producir una matriz y el placer de poder encantar con el resultado. El tiempo me ha enseñado que los artistas también podemos compartir otro placer, el placer de hacer. De eso se trata la obra que muestro en esta ocasión. Lo que quiero que se lleve la gente son la idea y ¡las herramientas!!!

Al exponer en esta ocasión una obra interactiva, Siete sellos, lo hago con el mejor ánimo neológico posible: con apego a la tradición y buscando innovar. La mía es una propuesta lúdica con la cual emulo al viejo bufón, don Marcel Duchamp, quien al trasladar el banal mingitorio de un sistema de referencias a otro (del de la arquitectura al del arte), consiguió sacudir los paradigmas del arte desde sus cimientos. Mi deseo es que este tipo de traslape, de trocas entre sistemas de referencia, nos ponga a pensar no sólo en una gráfica sin toxicidad sino también a repensar los dogmas que controlan y regulan la gráfica y la estampa contemporáneas.

São Paulo, a 11 de febrero del 2009.
Comentario por Encarna Romero Ibarra el octubre 11, 2009 a las 6:29pm
Un saludo para tod@s los componentes del grupo.
Estoy familiarizándome con la web.
Hace poco que hago libros de artista, me cautivó su versatilidad, objeto poético y mágico.
Espero poder aportar mi granito de arena.
Saludos.
Comentario por librodeartista el octubre 11, 2009 a las 1:33am
Por ello hemos tenido que definir cuatro objetivos prioritarios y urgentes en una línea que denominamos Línea de mercado y que se complementa con la linea de conocimiento y con la línea de difusión:

El primer objetivo es potenciar el comercio online y la creación de nuevas editoriales especializadas. Trabajar en la precariedad y sin una expectativa real de llegar a los coleccionistas acaba con las energías de cualquier artista, salvo que se mantenga en una posición de total renuncia al mercado como hacen muchos autores que provienen del arte postal, la poesía visual y todas las manifestaciones artísticas que son herederas del espíritu fluxus. Este es el espíritu que se ha manifestado en la convocatoria del libro “En la calle” donde los autores han participado con la única expectativa de obtener un libro con la obra del resto de los autores y verlo expuesto.

La otra opción que tenemos los autores es entrar en el “sistema” Es decir intentar ver nuestras obras expuestas en galerías comerciales. La experiencia me dice que esta no es una buena fórmula, por lo menos para mí, salvo algunas excepciones. Las galerías -y aquí quiero diferenciar a las galerías apegadas al sistema de otros proyectos a los que denominaros como galerías alternativas- están en un engranaje de poder -es algo tan obvio que no creo que tenga que justificartelo- piramidal. Un pequeño núcleo decide cual es la apuesta que en ese momento conviene por cuestiones económicas y políticas. Los curadores a sueldo ejercen de DJ -este comentario de Felipe Ehrenberg me pareció muy acertado- y las galerías y centro de arte institucionales ejecutan el trabajo. Los artistas que entren en esta estructura saben que o se adaptan a obedecer o están fuera.

La tercera vía es la que yo te propongo, hacer una apuesta por el comercio online. Tu me comentaste una vez que en México, no existe costumbre de comprar por Internet, bueno en España tampoco habia, pero poco a poco va creciendo esa costumbre y eso se Extenderá a toda Iberoamérica. Pero quién piense que con poner una página web bonita, bien diseñada, con alta usabilidad es suficiente, está completamente equivocado. Para conseguir establecer un mercado hay que hacer mucho más trabajo; tener una revista digital y estar posicionado en las redes sociales es imprescindible. Hay que saber transmitir quien hace los libros, donde, porqué, cómo.
Y hacer toda esta tarea en todos los soportes, digitales y en papel, virtuales y presenciales. Esa es la tarea que vamos a desarrollar durante el Encuentro, y para eso tenemos que coordinar nuestros esfuerzos.

Un último punto que quiero desarrollar es el de las transacciones, cual es el porcentaje que se debe aplicar, quién debe tener los depósitos de la obra. Sobre esto se desarrollará una mesa técnica en Córdoba, pero yo te voy a dar mi opinión, creo que descontados los gastos no debe superar el 20 % y utilizar las mismas estrategias del “comercio justo”. Por otro lado la obra debe estar siempre en manos de los autores con enviar la digitalización de la obra es suficiente. Para establecer este mecanismo hay que confiar en los demás y la vez establecer mecanismos de garantía. La solución que yo propongo es simple. Una vez hecha la compra vía paypal el dinero queda inmovilizado y se le da la orden al autor para que envíe la obra al comprador. Cuando este reciba la obra y da el visto bueno se le efectúa el ingreso al artista. Si existe algún problema el coleccionista devuelve el libro y cuando le llegue al autor se le devuelve el dinero menos los costes de envío. Bueno la experiencia irá definiendo un método eficaz.
El segundo objetivo es crear un red de espacios expositivos para mostrar presencialmente la obra producida y editada por la red.

Antes te hablaba de las galerías comerciales pero existen otras que o hacen seguidismo del poder, que defienden ideas própias y un concepto personal y que yo las llamo galerías alternativas.
Te pongo dos ejemplos: La Estampería en Granada, un espacio expositivo que aprovecha la antesala de un taller y realiza de forma intermitente exposiciones con afán de difundir obra, en realidad de mostrarla a los amigos que constituyen el entorno del taller. La galería “de Autor” en el Escorial, Madrid. Especializada en libros de ejemplares únicos.Y además el único que realmente veo en las galerias, porque para todos los que son editados creo que hay espacios y eventos más adaptados que las exposiciones y las galerías.

Me refiero a las librerías y las presentaciones. Si vemos los libros, y en este caso da lo mismo que sean libros ilustrados o de artista, revistas ensambladas o libros grupales, lo que marca el espacio donde es mejor que sean vistos es su precio y características. Un libro ejemplar único o un libro seriado realizado con las técnicas de la obra gráfica que supere los 300 € es lógico que se vea como su espacio natural una galería, incluso por Internet con ese precio será más complicado su venta. Pero por debajo de ese precio seguramente sean las librerías un sitio mas eficaz para su comercialización, por lo menos en España. Y no solo eso, sino más barata su puesta en escena, con un día y sin mayores gastos que su autor o la persona que lo presente es suficiente.

Hay otros espacios que no son de venta directa, pero igual de importantes para el apoyo para la venta online y estos son los institucionales. Dentro de los proyectos presentados en la red hay dos ejemplos que son muy significativos: la biblioteca Los Mangos de Puerto Vallarta y una sala de exposiciones de la Universidad de Pereira. No son espacios de venta pero si para dar conocer las galerias online y mostrar los objetos de forma presencial a las personas que pueden estar interesadas.

El tercer objetivo es Crear una red de talleres e imprentas con la maquinaria precisa; la formación adecuada de los impresores, maestros papeleros y encuadernadores, bajo una dinámica de trabajo en red -que no fácil- adaptado a la edición de libros de artista y libros ilustrados es lo que hemos dado en denominar Muchotrigo ediciones. Proyecto justificado por tu iniciativa “En la calle” donde participaron diferentes autores enviando su obra para ensamblarlas. Como te he dicho no debemos dar por hecho que lo que se hace con desinterés económico funcione cuando si exista. Pero a quién de verdad le interesa es a los talleres que ven así la posibilidad de abordar proyectos que de otra manera serían impensables.

Es obvio que para crear y sostener un coleccionismo, se necesita además de una alta calidad conceptual en las obras, una máxima calidad técnica en la realización. Y para conseguir estos objetivos de calidad, además de formarse hay que contar con los mejores profesionales posibles. Te pongo el ejemplo que me parece más paradigmático, la fabricación y manipulación creativa del papel.

Si diseñamos un libro donde el papel tenga un aspecto importante, podemos acudir a nuestro proveedor habitual; sea este un mayorista o un maestro papelero e intentar encontrar el soporte (papel en este caso) más parecido a lo que necesitamos. La experiencia me dice que la mayoría de las veces hemos tenido que desechar muchas posibilidades plásticas en este proceso. Una de dos o encontramos lo más parecido a lo que hemos imaginado o lo que es peor, nos autocensuramos y ya imaginamos el objeto con los papeles que podemos comprar.

Las posibilidades que tiene un artista cuando es él quien puede escoger la composición de fibras y su color, gramaje, propiedades, etc, son ilimitadas y la mayoría de las veces desconocidas. Salvo para aquellos que en su formación han practicado las técnicas que se denominan art-paper o como nosotros por sugerencia de Felipe le empezamos a denominar papelarte. Con este ejemplo extensible a cualquier otra técnica de la encuadernación o de la gráfica quiero que veas el potencial que tiene la red y el porqué es tan importante la linea de conocimiento y la futura EIPAL.
En la red hay aproximadamente unos veinte miembros que tienen una relación directa con la fabricación de papel. Toño con el papel amate, una persona de la UPN que está desarrollando una tesis y más ejemplos que podría ponerte. Este grupo está expandido por México, Colombia Argentina y España, pero entre ellos no tienen apenas relación. Sin embargo sería importante que si existiera y le transmitiera a los demás miembros de la red la suficiente información y conocimiento como para saber hasta donde se puede llegar en el diseño de un libro. Abandonar una cierta querencia que existe de preservar los conocimientos y darse cuenta de que el mundo ha cambiado. Internet ha transformado radicalmente estos esquemas y quién comparte el conocimiento se ve recompensado mediante encargos e invitaciones a impartir talleres como a nosotros nos está ocurriendo


Por último y como una forma especial de espacio expositivo, la creación de un modelo específico de Féria y un modelo adaptado a otros eventos es otro de los objetivos de mercado que tenemos que conseguir.
En Córdoba vamos a realizar el segundo tipo. Esta actividad está basada en la experiencia que realizamos en Sevilla en febrero de 2009 en la Alameda de Hércules de Sevilla durante la Revuelta Sureña. Allí comprobamos que es posible editar durante cinco días en la calle. Juntamos a Emilio Sdun, Elisa Pellacani, Jose Manuel Peña, Miguel Carini, Paco Fernandez, Jesús Tejedor, Jim Lorena y a los alumnos y profesores de los ciclos de grabado y serigrafía de la Escuela de Arte de Sevilla, realizando talleres de tipografía, papel, serigrafía y creación de libros.

La programación que tenemos presentada en Córdoba incluye tres líneas de actividades que te `paso a :
Las expositivas:
Exposición “O pao nosso” colección de libros de artista grupales en la que participaron varios curadores coordinados por Mara Caruso.
Exposición “Homenaje Miguel Hernandez” de libros ilustrados.
Exposición de “libros de la red Librodeartista.info” un compendio de los autores de la red.

Las mesas técnicas, ponencias y presentaciones:
Hacia la creación de un mercado online para el libro de artista y el libro de artista. Estrategias y propuestas.
Una red alternativa de espacios expositivos.
Muchotrigo ediciones, una experiencia de edición y producción en red.
Un recorrido por las ferias, simposios y encuentros internacionales dedicados al libro de artista y el libro ilustrado.
Ellibroysuslecturas.azul una exposición internacional virtual y física.
Presentación del libro grupal “En la calle”
Presentación de la revista librodeartista.info
El libro de artista y su compleja bibliodiversidad

Los talleres:
Primer día.

Taller básico de fabricación de papel.
El molino de papel, maquinarias y herramientas.
Diferentes fibras. Propiedades y usos.
Pruebas de estampación en papeles de diferentes composiciones.
.Moldes. Marcos y formas.
Taller de construcción de formas papeleras.
Fabricación de papel para el libro ilustrado sobre la obra de Miguel Hernandez.

Formas especiales para libros de artista. Formas con recortes.
Fabricación de papel con pulpa vertida.
Fabricación del papel para el libro de artista sobre la obra de Antonio Gómez “Caminar por caminar cansa”
Acción de Antonio Gómez imprimiendo el libro.


Segundo día

Fabricación de papel y prácticas de papelarte (artpaper) aplicados al libro ilustrado sobre la obra de Miguel Hernandez.
Creación de las portadas para el libro ilustrado.


Taller de tipografía experimental. Durante cuatro horas Emilio Sdun realizará una clase teórico-práctica sobre impresión de textos e imágenes mediante sacapruebas tipográficos.


Tercer día.

Taller de caligrafía creativa. Durante cuatro horas Emilio Sdun realizará una clase teorico-práctica sobre caligrafía y su aplicación a los libros..

Serigrafía, técnicas de trabajo directo.


Cuarto día

Técnicas mixtas en la realización de libros de artista.
Linóleo con estampación manual.
Monotipo en placas de gelatina.
Trabajo con sellos de goma y caucho.

16 horas Realización de un libro acordeón en grupo sobre la obra “Caminar por caminar cansa”



Quinto día

10 horas Encuadernación y sistemas de manipulación expresiva de papel y cartón.
Plegados
Encuadernación japonesa
Cosidos simples.
Comentario por Alfonso Guevara el septiembre 20, 2009 a las 9:08pm
Buenas.
Posiblemente peque de inocente al externar mis opiniones y en intentar hacer propuestas, por lo cual de antemano pido disculpas si lo que pondré suena redundante o nada nuevo.

Por un lado, pienso que los mercados tradicionales siguen manteniendo sus estructuras. Las galerías se dedican a vender productos y piezas de arte, muchos compradores que quieren que sus piezas tengan el aval de la originalidad y que esa pieza que están pesando adquirir funcione como una inversión, regularmente recurrirán a estos canales establecidos.
Por otro lado, el advenimiento de la tecnología digital ha traído consigo todo un cambio en los paradigmas, tanto productivos, como culturales. No hay mejor ejemplo que lo sucedido en la industria de la música, al convertirse ésta ahora en información numérica, se puede compartir sin siquiera haber tenido acceso a una matriz original; eso hizo que la misma industria reccionara y que algunos aprovecharan (como apple) y sacaran ventajas económicas de ello.
Sin embargo, las artes visuales, y más aún los libros de artista, tienen que ser apreciadas en vivo para ser vendidas, ya que lo que se compra es una cosa, un objeto de culto que Con esto no quiero que se interprete como una opinión negativa, al contrario, estoy planteando una problemática (sin descubrir el hilo negro) y los problemas son para resolverse.
Entonces ¿que hacer con un mercado que tiene que tener un contacto cuasi corpóreo con la obre de arte en los tiempos digitales? (más aún con el libro de artista, ya que este medio obliga a interactuar con él, siendo también parte de su encanto).
El sitio de librodeartista.info es una excelente herramienta para la promoción, difusión e incluso venta de estas piezas; sin embargo siento que nos falta proponer metodologías.
Coincido con Antonio en que se tiene que hacer una especie de cooperativa que opere a distancia, internacionalmente. Igualmente con Ulma Mac, en que esto se tiene que tratar como una empresa, aplicando (pero sobre todo adptando) ciertas estrategias de mercadotecnia.
¿Por dónde empezamos?
- Producción personal y alimentación del sitio. Esto creo que ya está cubierto.
- Promoción del sitio. Si tenemos que hacer tarjetas de presentación nuevas en donde pongamos nuesta liga a librodeartista.info, la gente nos preguntará y tenemos que estar bien preparados para contestar y promover las artes del libro.
- La función del artista como promotor de su trabajo (y en este caso de los de la cooperativa) y por ende, se está realizando la primera parte de una venta.
- Catálogos en PDF. Es una parte importante, puesto que no se trata precisamente de que sean los libros imprimibles (es un punto que se tocará más delante); sino que con un catálogo en PDF, los integrantes de la cooperativa podemos moverlo, ya sea en una memoria USB o imprimirlo.
- Establecer "sedes". Quizás se pueda hacer un esfuerzo para que en una plaza se pueda rentar un pequeño local, que funcione como galería que represente a dicha cooperativa. Incluso, si hay muchos integrantes en una sede y hay varios talleres, se podrían alternar para hacer eventos relacionados con este movimiento (creo que algo similar ya había comentado Antonio anteriormente).
- Ahora bien, si se va a trabajar en cooperativa, los representantes e integrantes de cada sede tendrán que trabajar bajo una misión en común y de forma organizada; incluso dividirse las tareas, para que así las cosas funcionen y además se tenga una imagen fuerte hacia el exterior (obvio, si un día va uno con un coleccionista y al tercer día otro visita a la misma persona, nos estaríamos viendo muy poco organizados).
- Promover la venta digital. Los Catálogos en PDF son muy importantes aquí, y para poder "enamorar" a los clientes hará falta de un buen registro fotográfico. Obvio que la labor de promover dicha venta recaerá en cada una de las sedes.
- Pensar en la posibilidad de libros de artista digitales. Por ahí me comentaron una ocasión que había una artista que vendía su arte por internet como a 1 euro óo 1 dólar por descarga y que, paradógicamente, tenía como 200 descargas al día de todas partes del mundo (del mundo mundial, obviamente =D).

Bueno, espero que mi aportación haya contribuído en algo, siento que de cualquier forma el proceso va avanzando de muy buena forma.

Saludos afectuosos desde Monterrey, en el noreste de México.

Alfonso Guevara

p.d. abrazos a Antonio y José Emilio
Comentario por Intangibles Art el septiembre 17, 2009 a las 3:15am
Saludos.
Todo suma, como exponen librodeartista y Jenaro Argente, en sus últimos comentarios.

En cualquier caso, comparto la inquietud y el deseo por dar a conocer el Libro de artista como un soporte de arte con toda la consideración que merece.

Estamos trabajando en varias direcciones, tanto desde el aspecto creativo como promocional y esperamos poder colaborar con las iniciativas que se producen en esta red.

Por nuestra parte esperamos poder dar soporte a los autores para la difusión de sus trabajos.

Saludos, y hasta otro rato.
Comentario por Jenaro Argente Alcaraz el septiembre 16, 2009 a las 2:17pm
Estoy leyendo con sumo interés lo que habéis expuesto Antonio Damián y Jim Lorena como librodeartista.info.
Espero poder daros mañana o pasado mi modesta opinión por si sirviera de algo, y comentaros que creo en el proyecto que proponeis, aunque no haya podido realizar ninguna aportación, hasta ahora, al mismo.Pero contad conmigo. Gracias. Salud y enhorabuena.
 

Miembros (129)

 
 
 

 

Ediciondearte.info

Instrucciones técnicas para fotografiar espacios de trabajo y exposición.

Visibilizar un proyecto en la red no es tarea sencilla, mucho menos si es un proyecto complejo y con un aspecto utópico. Podemos caer con facilidad, en añadir ruido a esa tormenta de información que es Internet, donde todos somos impacientes y perezosos a la hora de recibir la información. Por ello, tenemos que ser muy rigurosos y claros en la comunicación que vamos a transmitir antes y durante la Feria Cinco Sedes. En este artículo vamos a explicar como diseñar nuestra información, para que los visitantes de nuestra feria virtual puedan transitar por ella con comodidad y también promover la visita a las sedes presenciales.

La entrada Instrucciones técnicas para fotografiar espacios de trabajo y exposición. aparece primero en Feria De Libro de Artista Cinco Sedes.

Distintivo

Cargando…

Librodeartista

Normas de uso

Hola a todas y a todos.

Continuamos con nuestro proceso de reorganización de esta red y siguiendo vuestras sugerencias, vamos a delimitar con mayor concisión el tema del que ella trata.

Este va a quedar limitado a los libros de artista, libros objeto y los libros artísticos.

Os pedimos que en las imágenes, vídeos, blogs que subáis a esta red, indiquéis a que actividad u obra pertenecen.

Jim Lorena y Antonio Damián